Du 15 décembre 2022 au 30 avril 2023
Vernissage le 14 décembre à 18h

Avec : GRAU, Bernhard Martin, Neue Gestaltung

Directeur artistique : Saâdane Afif
Commissaire de l’exposition : Yasmine d’O.

« Lorsque le sage montre la lune, l’imbécile regarde le doigt » – le Bonimenteur est celui qui réussit à vous faire croire que le doigt est la lune.

Du 15 décembre 2022 au 30 avril 2023, le FRAC Champagne-Ardenne accueillera The Bonimenteur, une exposition qui, à travers les œuvres de trois artistes et collectifs, dresse le portrait de ce curieux personnage. Sous les traits d’une installation monumentale et lumineuse des designers GRAU, d’un ensemble de peintures et dessins de l’artiste Bernhard Martin et d’une composition graphique et interactive du collectif de graphistes Neue Gestaltung, The Bonimenteur prend forme au FRAC et invite le public à sa rencontre.

Le professeur, le bonimenteur, le cyclomotoriste, la diseuse de bonne aventure, un acrobate, le charbonnier et le touriste forment les sept personnages de L’Heptaèdre, une pièce de théâtre écrite par l’écrivain Thomas Clerc, à la demande de l’artiste Saâdane Afif et dans laquelle Yasmine d’O, se lance à la recherche d’une forme géométrique mystérieuse : un volume à sept faces, un heptaèdre. Elle rencontre au cours de sa quête sept personnages intrigants, devenus à l’occasion de la manifestation internationale Bergen Assembly en Norvège (8 septembre – 6 novembre 2022), le motif de sept expositions.

Intitulée Yasmine d’O. et les sept faces de l’Heptaèdre, cette 4ème édition de la triennale a été conçue par Saâdane Afif qui a nommé Yasmine d’O. en qualité de curatrice. La Bergen Assembly a ainsi investi sept lieux et institutions permettant au public de suivre la quête de Yasmine d’O et à cette dernière de poursuivre sa recherche de l’heptaèdre. En accueillant The Bonimenteur, le FRAC Champagne-Ardenne devient la première institution à réactiver un personnage-exposition et à accompagner Saâdane Afif, artiste historique de sa collection (1) et Yasmine d’O. dans cette étrange aventure…

(1) : La première exposition personnelle de l’artiste Saâdane Afif en France a eu lieu au FRAC Champagne-Ardenne en 2001. Le FRAC compte dans sa collection six œuvres de l’artiste.

Autour de l'exposition 

Saâdane Afif, A la rencontre du bonimenteur
Conférence
Mardi 24 janvier à 18h30, à Sciences Po
Plus d’infos

Garance Grand-Léger, Autour de moi il n’y a que de la roche, elle est plus lourde que nous
Performance en continu
Samedi 4 février de 14h à 18h
Dans le cadre de FARaway – Festival des arts à Reims
Plus d’infos

Romain Gandolphe, A kind of tree
Performance
Samedi 18 mars à 15h30
Plus d’infos

Vernissage le 23 juin 2022, à 18h00

Avec : Lawrence Abu Hamdan, Saâdane Afif, Ouassila Arras, Alex Ayed, Sophie Barber, Orian Barki et Meriem Bennani, Étienne Chambaud, Gaëlle Choisne, Rabiya Choudhry, Julien Creuzet, Freya Dooley, David Douard, Charlotte Dualé, Nathanaëlle Herbelin, Florence Jung, LOW PROFILE, Randa Maroufi, Juliette Mock, Nicolas Momeim, Joanna Piotrowska, Sara Sadik, Rosalie Schweiker, Agnès Thurnauer, Julia Wachtel

Commissaire de l’exposition : Marie Griffay, directrice du FRAC Champagne-Ardenne

Membres du Comité technique d’achat :
- Ludovic Delalande, Commissaire d'exposition, Fondation Louis Vuitton, Paris
- Sébastien Delot, Directeur-Conservateur au LaM, Villeneuve-d'Ascq
- Marie Griffay, Directrice, FRAC Champagne-Ardenne, Reims
- Kevin Hunt, Artiste, commissaire d'exposition et professeur, Liverpool
- Sarah McCrory, Directrice, Goldsmiths Centre for Contemporary Art, London

Quelle histoire peut nous raconter une collection d’art qui rassemble différentes œuvres de plusieurs artistes ? Comment, par qui et pour qui cette collection existe-t-elle ? Sur quelle histoire nous renseigne-t-elle ? Celle de l’époque, de l’art, de l’œuvre, de l’artiste ? Qui raconte cette histoire ? Rassembler ici et maintenant des œuvres de la collection du FRAC Champagne-Ardenne, dont le seul point commun est a priori leurs années d’acquisition, est un pari. Vont-elles dialoguer, résonner les unes avec les autres ou au contraire entrer en dissonance ?

Ce qui est certain c’est que le territoire inconnu, né de leur mise en présence, n’existera qu’une fois, le temps de l’exposition. Arpenter cette géographie sensible permet de prendre du recul, de regarder en arrière et de mettre en perspective une sélection de quatre ans d’acquisition. Laisser toute la place à l’impression, suivre l’intuition d’un lien, écouter les silences et les espaces vides entre les œuvres c’est rendre possible la construction d’un récit libre. Car il existe un lien, bien qu’invisible, entre elles : le travail de cinq personnalités d’horizons différents, réunies pour quatre ans, de 2018 à 2021 avec pour mission d’enrichir la collection du FRAC.

Les œuvres soumises chaque année à ce groupe, appelé Comité technique d’achat, sont soit spontanément envoyées par l’artiste ou sa galerie, soit présentées par l’une ou l’un des membres de ce comité. Elles sont discutées, débattues, confrontées à l’histoire de l’art et à celle de la collection. Ce fonds, créé en 1984, a pour ambition de construire pour les habitant·es de Champagne-Ardenne et au-delà, une collection d’art à diffuser, un patrimoine à partager, des histoires à raconter.

La pratique de la collection ne nous est pas étrangère. Il faut cependant aller chercher loin dans notre mémoire le souvenir de gestes autrefois si importants et aujourd’hui oubliés pour la plupart d’entre nous. Chercher, récolter, trouver, étudier, classer, admirer… un caillou, un coquillage, un timbre, un pin’s, une image… Cette exposition nous permet de découvrir pour la première fois, une nouvelle partie de la collection du FRAC, autrement dit un trésor qui nous appartient à toutes et à tous.

Essayons alors d’emprunter à l’enfant son regard de curiosité et d’ingéniosité sur le monde et de « voir pour de vrai ce que nous avons sous les yeux » (1). Découvrons avec jubilation les œuvres et laissons-les nous conter des aventures extraordinaires. Rappelons-nous un instant l’incroyable découverte qui fût la nôtre lorsque, bébé, nous découvrions en observant une image fixe dans un livre, un dessin, une peinture, que « quelque chose qui devrait bouger est immobilisé, quelque chose dont on connaît l’épaisseur est aplati, quelque chose de grand est miniaturisé » (1).

L’artiste, écrivaine et illustratrice Elzbieta, raconte dans Le langage des contes ce moment fulgurant et joyeux qu’est le décodage du langage de l’image pour un bébé de six mois : « Tout de ses gestes, de sa jubilation, de son excitation intellectuelle, montrait qu’il en comprenait la stupéfiante magie : où avait disparu l’ensemble des propriétés de ce qui fait un chat, sa taille, son épaisseur, ses mouvements, sa fourrure ? Et pourtant, malgré ces manques essentiels, dans ce minuscule résidu plat auquel on ne pouvait ni tirer la queue ni donner à manger, chat il y avait bel et bien ! » (1).

Ici, le temps de l’exposition, le mouvement du monde est arrêté pour nous. Écoutons entre les œuvres les tendres chuchotements, les bribes de récit qu’il nous suffit d’attraper en vol pour construire une histoire suffisamment puissante pour nous émerveiller, nous transporter, nous émouvoir.

(1) : Elzbieta, Le Langage des contes, éditions du Rouergue, Paris, 2014, p. 17, 21, 23.

Du 19 mai au 22 août 2021

Commissaires de l’exposition : Bettina Moriceau Maillard, directrice de l’association Les Amis de Cathy Josefowitz et Marie Griffay, directrice du FRAC

Exposition réalisée avec le soutien de Fluxus Art Projects.

Le FRAC Champagne-Ardenne présente la première exposition institutionnelle en France de l’artiste suisse Cathy Josefowitz (1956, New York - 2014, Genève) et de l’artiste anglaise Susie Green (née en 1979). Empty rooms full of love orchestre la rencontre inédite de deux œuvres qui partagent une affinité de médiums - peinture, dessin, collage, performance, musique - et explorent les thèmes de l’altérité et du déguisement, notamment par le recours aux artifices du monde du spectacle, et du rapport au corps, à travers le cheminement intime de la quête de soi. Ce parcours croisé met en lumière deux démarches artistiques puissantes et sensibles sur l’émancipation des corps à travers le regard de deux générations d’artistes femmes.

La première partie de l’exposition, peuplée de personnages déguisés, amplifiés, décorés par les artistes et d’avatars d’elles-mêmes, nous plonge au cœur d’un jeu de regards. Elle prend la forme d’une scène de théâtre où acrobates, marionnettes, pantins et figures inspirées de la commedia dell’arte, dansent, courent et glissent sur le sol. Si le registre est heureux, l’expression de certains personnages révèlent une certaine mélancolie : « Il s’agit de libérer, grâce à ce simple jeu d’apparences que l'on joue ou auquel on se laisse prendre, une part cachée ou brimée de nous-même »[1].

Dans la seconde partie de l’exposition, la relation charnelle est vécue comme une expérience spirituelle qui permet de se retrouver. S’opère alors un glissement, une transformation de l’être, manifeste dans les œuvres des artistes. Les peintures et carnets de Cathy Josefowitz sur le Kamasutra et les dessins et peintures érotiques de Susie Green font place à des représentions abstraites. Les personnages de Susie Green se sont évaporés, transformés par la rencontre sexuelle en énergie, tandis que les ciels colorés de Cathy Josefowitz figurent la métamorphose des pensées en émotions. La fin de ce second chapitre nous mène à l’extase avec une installation vidéo hypnotique coréalisée par Kim Coleman et Susie Green.

Empty rooms full of love est une invitation à se laisser imprégner par le female gaze, ce regard qui décrit une expérience féminine du monde et auquel tou·te·s peuvent s’identifier. Que signifie habiter le corps d’une femme, en faire l'expérience voire le dépasser ? Est-ce que les espaces vides remplis d’amour – du titre de l’exposition tiré d’un des nombreux carnets de Cathy Josefowitz - se réfèrent à des espaces intérieurs, à ceux du corps des femmes ou encore à l’espace muséal ? Celui qui y investit de l’amour est-il celui qui y pénètre, ou celui à qui ce corps-espace appartient ?

L’exposition présente des œuvres co-réalisées par Cathy Josefowitz et Susie Green avec Simon Bayliss, Kim Coleman, Rory Pilgrim, Mara de Witt, Romain Denis, Claire Bushe, Tess McDermott, Cathy Frost, Lisa Halse. 

[1] Marguerite Yourcenar à propos de la théorie du jeu de Roger Caillois : L’homme qui aimait les pierres, in « En pèlerin et en étranger. Essais », Paris : Gallimard, 1989

Commissaire de l’exposition : Marie Griffay

Peintre américain de renommée internationale, Stephen Felton (né en 1975 à Buffalo) est invité à produire une toute nouvelle série de toiles monumentales pour son exposition monographique Teeth in the Grass au FRAC.  

Réalisées à main levée, les peintures de Stephen Felton sont faites de formes géométriques très simples qui questionnent le médium et les fondements de la représentation mimétique dans l’art. Il développe un alphabet de signes s’apparentant à des pictogrammes, un langage universel et ludique qui rappelle l’imagier pour enfant autant que l’art pariétal et ses rares représentations de la figure humaine. La recherche d’un équilibre entre le premier et le second plan, entre le sujet et le paysage,  entre la couleur et le blanc est au cœur du travail de l’artiste. Le geste spontané, rapide, quasi performatif de Stephen Felton semble être celui d’un amateur, contredisant la notion classique de savoir-faire et de technique autant que la représentation romantique de l’artiste doté d’un talent hors du commun travaillant sans relâche à la perfection de son œuvre.

Le travail de Stephen Felton trouve son origine dans une multitude de récits, il s’agit de raconter des histoires. La plupart du temps, dit-il «  je pense à quelque chose avec quoi j’aimerais jouer, et je me laisse aller dans cette direction ». Ainsi, au fil de ses expositions, le visiteur a pu reconnaître la silhouette de Moby Dick d'Herman Melville (1851) ou du faune d'Arno Schmidt (Scènes de la vie d'un faune, 1962).

Atelier : Jeu de la ligne et de la couleur

Atelier : Puzzle histoire

Chaque année, le FRAC Champagne-Ardenne invite, en collaboration avec le FRAC Alsace et le  49 Nord 6 Est-FRAC Lorraine, trois artistes lié·e·s à la région Grand Est à présenter un film dans le Vidéo Club, le temps d’une exposition.

À l’occasion de cette deuxième édition, les artistes Mali Arun, Marie Bouthier & Anouck Lemarquis (Demi Tour de France) et Thomas Schmahl explorent le rapport aussi respectueux et romantique que conflictuel et dévastateur que l’humain entretient avec le paysage.

Dans Paradisus, c’est un environnement chatoyant et généreux que dépeint Mali Arun, un éden en noir et blanc où toutefois la menace d’un déluge semble annoncer la fin de l’insouciance. Thomas Schmahl livre quant à lui avec Les Montagnes Amoureuses une fable contemplative où l’observation sensible de la nature en dévoile la force romantique. Enfin, Le Film des Vacances du duo d’artistes Demi Tour de France, réalisé en collaboration avec Arthur Clerbois, nous entraîne dans un road trip automobile à la découverte des paysages français en perpétuelle mutation, entre sublimation du quotidien et épopée chimérique.

À une époque marquée par la profonde altération des écosystèmes, ces films engagent à une réflexion : est-il encore possible aujourd’hui de contempler un paysage vierge, dénué de l’empreinte humaine ? Plus poétiquement, ces trois variations de décors, qui vont d’un parc en Croatie aux sentiers des Alpes, en passant par les routes de France, transforment le Vidéo Club en une invitation au voyage.

Mali Arun est née en 1987.  Formée à l’école des Beaux-Arts de Paris, de Tianjin (Chine) et de Bruxelles (La Cambre), elle obtient le Grand Prix du Jury au Salon de Montrouge en 2018. Elle vit et travaille à Strasbourg.

Le duo d’artistes « Demi Tour de France » est composé de Marie Bouthier, née en 1983, et d’Anouck Lemarquis née en 1982. Elles vivent et travaillent en France.

Thomas Schmahl est né en 1994. Diplômé de l’ESAD de Reims en 2018, il est lauréat du Prix de la Jeune Création de la biennale d’art contemporain de Mulhouse en 2019. Il vit et travaille à Reims.

Vernissage vendredi 11 octobre à 18h

Commissaire de l’exposition : Marie Griffay

Avec le soutien du Mondriaan Fonds et de l’ambassade du royaume des Pays-Bas.

Diffuser l’élégance est la première exposition monographique de l’artiste sino-néerlandaise Evelyn Taocheng Wang en France, au FRAC Champagne-Ardenne.

Convoquant aussi bien les faits divers et les réseaux sociaux, que la grande littérature, Evelyn Taocheng Wang interroge la notion d’identité en tant que concept mouvant, intrinsèquement lié à l’espace et au temps. Si l’œuvre d’Evelyn Taocheng Wang est faite d’oxymores et d’antagonismes, entre techniques traditionnelles et modernité, récits individuels et mémoire collective, mêlant références orientales et occidentales elle esquisse aussi les contours d’une réalité moins binaire, et participe ainsi d’une circulation de l’imaginaire.

Diffuser l’élégance[1] est une toute nouvelle installation d’envergure qui interroge la représentation sociale du corps, pour laquelle Evelyn Taocheng Wang habille de ses propres vêtements ses ami.e.s, faisant d’elle.eux les modèles d’un défilé fantasmé. Leurs témoignages épistolaires sont réinvestis par l’artiste dans de nouveaux dessins sur papier de riz accompagnés d’un jeu de mimétisme calligraphique déconcertant.

Conçue spécifiquement pour le FRAC Champagne-Ardenne, cette nouvelle production accueille trois œuvres de Léonard Foujita (1886-1968), peintre franco-japonais emblématique de la modernité et intimement lié à la ville de Reims. Les deux artistes, qui revisitent librement la représentation classique des corps masculins et féminins de l’art occidental, se rencontrent. L’élégance, comme un trouble, se répand. 

L’exposition permet aussi de découvrir l’œuvre vidéo d’Evelyn Taocheng Wang à travers trois films récents qui mettent en scène le corps, le vêtement et l’architecture. Dans Dusk, acquis en 2018 par le FRAC Champagne-Ardenne, Evelyn Taocheng Wang revisite l’atmosphère et la composition de la peinture classique hollandaise. 

Les films Three Versions of Change et Hospital Conversation - en résonance directe avec l’histoire du bâtiment du FRAC, ancien collège des Jésuites transformé pendant près de deux siècles en hôpital – racontent le corps anonyme, métamorphosé par la douleur et la guérison.

EVELYN TAOCHENG WANG

Née en 1981 à Chengdu, Chine. Vit et travaille à Rotterdam, Pays-Bas.

Après des études de peinture en Chine, puis des études à l’école d’art Städelschule de Francfort, Evelyn Taocheng Wang intègre De Ateliers à Amsterdam de 2012 à 2014. Elle expose au ICA (Londres, 2017), au KW Institute for Contemporary Art (Berlin, 2018), au S.M.A.K. (Gand, 2019), au Witte de With (Rotterdam, 2019), exposition pour laquelle elle remporte le Dolf Henkes Prize. Elle réalise des performances, notamment présentées au Stedelijk Museum (Amsterdam, 2015) et à la Documenta14 (Cassel, 2017). Sa prochaine performance aura lieu au FRAC Champagne-Ardenne le 9 février 2020 à l’occasion du festival FAR away. 

À l’occasion des Journées européennes du patrimoine et des 50 ans de la mission Apollo XI, pendant laquelle Neil Armstrong et Buzz Aldrin ont marché sur la lune, le FRAC présente exceptionnellement une exposition monographique de l’artiste Tom Ireland, visible le temps d’un    week-end.

L’œuvre de Tom Ireland joue avec les notions d’espace, de distance et avec tous les éléments qui les composent. Il s’intéresse à la nature matérielle et immatérielle de ces éléments, et cherche à comprendre comment ils influent sur notre connaissance individuelle et collective.

Deux œuvres de la collection du FRAC, acquises en 2018, sont présentées. La première, 2:36:41 (Every day we are apart I miss you more than ever), est une œuvre sonore pour laquelle l’artiste a « étiré » la Sonate au clair de lune de Beethoven pour que celle-ci dure 2 heures, 36 minutes, 41 secondes, soit le temps exact passé par Neil Armstrong sur la lune en 1969. La seconde, A Meteorite is placed in the void between the ceiling and the stars, est un fragment de météorite placé dans le vide entre le plafond de l’espace d’exposition et les étoiles. Laissez-vous embarquer dans l’univers poétique et interstellaire de Tom Ireland qui vous fait découvrir le FRAC comme vous ne l’avez jamais vu…

Avec Franz Ackermann, Corentin Canesson, Melissa Dubbin & Aaron S. Davidson, Jennifer Douzenel, Mar García Albert, Hippolyte Hentgen, Robert Malaval, Nicolas Momein, François Petit, Laure Prouvost, Clément Rodzielski, Lilli Thiessen, Julia Wachtel, Lois Weinberger.

Commissaire de l'exposition : Marie Griffay

Exposition du 17 mai au 15 septembre 2019
Vernissage le jeudi 16 mai 2019 à partir de 18h00

La collection du FRAC Champagne-Ardenne comporte un ensemble de peintures remarquables qui, sans retracer l’intégralité de l’histoire de ce médium, mettent en lumière des pratiques individuelles de grande qualité. « Été pourri peinture fraîche » est le titre d’une série de dessins de Robert Malaval (collection FRAC Champagne-Ardenne) dont l’œuvre, en mêlant sans répit le rock, l’esthétique pop, la fin du monde, le festif et le tragique a participé au décloisonnement des pratiques artistiques. Peinture, sculpture, performance et musique ont été entremêlées par Robert Malaval, dont la pratique a inspiré de nombreux artistes. Hommage discret à cet engagement total et excessif, l’exposition rassemble des artistes dont la démarche s’affranchit du poids de l’histoire millénaire de la peinture pour la réinventer, la détourner, imaginer de nouvelles règles.

Julia Wachtel, Hippolyte Hentgen, Lilli Thiessen et Mar García Albert tiennent à distance les sujets classiques et peignent des images ; Laure Prouvost, Clément Rodzielski et Nicolas Momein préfèrent ne pas choisir entre peinture et sculpture et mêlent les genres ; Franz Ackermann et François Petit empruntent à d’autres sources et créent des peintures flamboyantes ; Lois Weinberger renonce à concevoir la composition de son œuvre et la confie à des insectes ; Corentin Canesson suit un protocole et réalise des peintures figuratives d’un mètre carré ; Melissa Dubbin et Aaron S. Davidson imaginent le futur post-humain de la peinture et réalisent l’anthropométrie d’un robot ; enfin, Jennifer Douzenel filme comme d’autres peignent et clôt l’exposition avec une vidéo picturale.

Peinture fraîche, peinture libre.

AVEC : OUASSILA ARRAS, CAMILLE BESSON, RAPHAËL ROSSI, MAXIME TESTU, VICTOR VAYSSE

EXPOSITION DU 24 JANVIER AU 21 AVRIL 2019
VERNISSAGE LE MERCREDI 23 JANVIER 2019 A PARTIR DE 18h30
EN PRESENCE DES ARTISTES

Commissaire de l’exposition : Marie Griffay

Plein Jeu revient pour une deuxième saison sous la forme d’une exposition – toujours consacrée aux artistes émergents – et d’un programme culturel pensé en lien avec les œuvres des artistes exposés – performances, ateliers, conférences, rencontres,…- .

« Avec Plein Jeu #1, la première exposition que j’ai programmée au FRAC Champagne-Ardenne, l’idée était d’envoyer tout de suite un message simple : le FRAC est ouvert aux artistes émergents. Le titre même de cette nouvelle série place notre institution sous le sceau du ludique et l’ouvre à toutes les règles et forces qui régissent le jeu : la distraction, l’oubli, l’équité, le faire ensemble.
Faire ensemble, construire ensemble, jouer ensemble. C’est ainsi que s’est déroulé Plein Jeu #1 : neuf artistes qui se connaissaient (au rez-de-chaussée du FRAC) ou ne se connaissaient pas (au 1^er étage), ont été invités en résidence pendant le montage de l’exposition pour construire / déconstruire ensemble une œuvre commune / individuelle, sous les yeux et les oreilles d’un dixième artiste, Rémy Drouard, invité à réaliser une œuvre sonore à partir de ses observations de ce processus.

Pour Plein Jeu #2, la case départ est ici, à Reims. La règle du jeu est maintenant d’exposer des artistes issus de l'École supérieure d'art et de design de Reims. Une fois la règle énoncée, rien n’est dit ! Puisqu’il s’agit de découvrir – au-delà de ce commun – cinq artistes, cinq individualités, cinq démarches (1).

L’intégralité du rez-de-chaussée est consacrée à une jeune artiste, diplômée de l’ESAD de Reims en 2018, Ouassila Arras. Le principe est de ne pas cloisonner l’espace, de ne pas imposer de présentation collective sous prétexte de la jeunesse de l’artiste. Ouassila Arras développe depuis plusieurs années une pratique de la sculpture monumentale et de l’installation qui nécessite de se déployer dans un grand espace pour pleinement s’épanouir et offrir aux visiteurs la possibilité d’arpenter ses constructions précaires et poétiques. Offrir à une jeune diplômée une première présentation monographique est une façon de la confronter à l’espace, sans borne ni limite, aux possibilités et aux difficultés que représente cette proposition.

A l’étage, nous invitons quatre artistes travaillant dans l’atelier Le Marquis : Camille Besson, Raphaël Rossi, Maxime Testu et Victor Vaysse. En 2016, sept artistes créent cet atelier partagé à L’Île-Saint-Denis et l’inaugurent en organisant une exposition de leurs œuvres dans ce lieu. Suit une autre exposition à plusieurs à La Cappela (Paris, 2017), puis une nouvelle au Cœur (Paris, 2018), et enfin une autre à FDP (Paris, 2018) (2). Parallèlement, Raphaël Rossi et Maxime Testu fondent avec deux designers et écrivains Romaine, une revue en ligne pour faire circuler de courts textes écrits en parallèle, en périphérie de leur pratique plastique. Tous ces événements sont conçus et mis en œuvre par les artistes eux-mêmes ou par d’autres artistes. Ce type de pratique remet en question le rôle de l’institution dans la promotion et la diffusion des œuvres des jeunes artistes. La mise en commun, les projets collaboratifs, l’autodiffusion apparaissent de plus en plus comme une stratégie  permettant aux artistes émergents de s’émanciper et de créer leurs propres réseaux, de s’adresser plus directement au public. Les expositions en institution, inspirées par ces collaborations à géométrie variable, figent donc un instant le « groupe » dont les contours sont pourtant mouvants ; comme ce fût le cas à l’occasion de leur participation au Vingtième Prix de la Fondation d'entreprise Ricard (Paris, 2018). Pour l’invitation au FRAC Champagne-Ardenne, Camille Besson, Raphaël Rossi, Maxime Testu et Victor Vaysse décident de faire ensemble une exposition dans l’exposition dont le titre/sous-titre, Au bord de l’âge adulte, décrit ce moment d’indécision et de flou. » 
Marie Griffay

(1) - Pssst : entre nous, l’un d’entre eux n’est même jamais allé à l’École supérieure d'art et de design de Reims ! Mais lequel ?

(2) - Exposition présentant seulement Camille Besson, Raphaël Rossi, Maxime Testu et Victor Vaysse.

JOUEZ AVEC NOUS !

Postez votre meilleure photo de l’exposition sur Instagram, accompagnée du hashtag #fracchampagneardenne entre le 23 janvier et le 21 avril 2019 ; le gagnant remportera le 1er numéro du magazine CARF !

AVEC : ANNABELLE AMOROS, ZOE COSSON, MARINA SMORODINOVA

DU 24 JANVIER AU 21 AVRIL 2019
VERNISSAGE LE MERCREDI 23 JANVIER 2019 A PARTIR DE 18h30
EN PRESENCE DES ARTISTES

En 2019, le FRAC Champagne-Ardenne modifie entièrement son parcours de visite pour consacrer l’une de ses salles à la présentation permanente d’art vidéo. Ce Vidéo Club est le premier d’une série de rendez-vous, conçus en collaboration avec le FRAC Alsace et le 49 Nord 6 Est – FRAC Lorraine, entièrement dédiés aux artistes liés au territoire du Grand Est.
Les trois films sélectionnés pour ce premier Vidéo Club ont en commun de montrer, chacun à leur manière, une expérience du temps qui passe.
Dans son film Area 51, Nevada, USA, Annabelle Amoros construit un récit autour de cette mystérieuse zone militaire liée, pour certains, aux extra-terrestres. Qu’attendent les habitants vivant à proximité de cette zone ? Un appel ? La venue d’un OVNI ?
L’attente est également au cœur du film de Zoé Cosson qui réalise un montage de coupures de magazines de décoration et d’archives vidéo pour plonger le spectateur au cœur d’une Salle d’attente générique. Zoé Cosson illustre l’aspect impersonnel de ce non-lieu et l’influence qu’il exerce sur ses « usagers », des patients dont l’issue de l’attente semble moins importante que l’attente elle-même.
La Piscine de Marina Smorodinova est un prétexte à la flânerie et à la rencontre. C’est un lieu où des corps se croisent, échangent ou préfèrent s’isoler dans un temps qui semble suspendu. C’est un microcosme ou les règles sociales apparaissent en filigrane, ou la solitude se heurte à la foule.

JOUEZ AVEC NOUS !

Postez votre meilleure photo de l’exposition sur Instagram, accompagnée du hashtag #fracchampagneardenne entre le 23 janvier et le 21 avril 2019 ; le gagnant remportera le 1er numéro du magazine CARF !

> pour écouter les pièces sonores de Rémy Drouard : Cliquez-ici


AVEC LES ŒUVRES DE TOM CASTINEL, GAËLLE CHOISNE, RÉMY DROUARD, MANON HARROIS, ANTONIN HORQUIN, LAURA PORTER, DAVID POSTH-KOHLER, PABLO  RÉOL, OCTAVE  RIMBERT-RIVIÈRE ET MÜKERREM TUNCAY

VERNISSAGE LE MERCREDI 14  FÉVRIER 2018 À 18H00, EN PRÉSENCE DES ARTISTES

Commissaire de l’exposition : Marie Griffay

Dix jeunes artistes sont invités en résidence pendant le montage de l’exposition pour construire/déconstruire ensemble une œuvre commune/individuelle. À eux de jouer !

Plein jeu #1 est la première exposition d’une série, consacrée à la scène artistique émergente. Le premier opus de cette manifestation est dédié à la collaboration, à la co-création et aux collectifs d’artistes à géométrie variable. Dix artistes sont invités à Reims en amont de l’exposition pour une « résidence-montage », pendant laquelle ils travaillent ensemble à la construction de l’exposition. L’hybridation est au cœur de leurs pratiques artistiques respectives ; les éléments qui composent leurs langages visuels sont sans cesse réutilisés dans de nouvelles installations. C’est cette pratique du « remix » permanent qui est ici mise en jeu. La confrontation de leurs œuvres, dans les espaces du FRAC Champagne-Ardenne, va-t-elle donner lieu à de nouvelles combinaisons ou à des ruptures ? Leurs « sculptures nomades » vont-elles entrer en résonance, interagir ou au contraire, affirmer leurs singularités?

PROGRAMMATION ARTISTIQUE ET CULTURELLE

- Visites guidées pour tous : les dimanches à 16h00
- Visites guidées pour les groupes : sur réservation au 03 26 05 78 32
- Ateliers de pratique artistique pour les enfants : les samedis de 10h00 à 12h00, sur réservation au 03 26 05 78 32

- Visite  guidée  pour  les  Amis  du  FRAC  Champagne-Ardenne: mardi 13 février 2018 à 19h00
- Visite pour les enseignants : mercredi 21 février 2018 à 14h30
- Week-end  art  contemporain  Grand  Est : vendredi 16,  samedi 17  et dimanche 18 mars 2018
- Visite guidée en LSF : samedi 24 mars 2018 à 14h30
- Week-End Télérama : samedi 24 et dimanche 25 mars 2018 de 14h00 à 18h00
- « Regards croisés », visite avec les trois directrices des trois FRAC du Grand Est : mercredi 4 avril à 18h30

JOUEZ AVEC NOUS !

Postez  votre  meilleure  photo  de  l’exposition  sur  Instagram, accompagnée  de  #fracchampagneardenne  entre  le  15  février  et  le  15 avril  2018,  le  gagnant remportera  un  catalogue,  un  tote  bag  et  un carnet du FRAC !

Entrée libre, accessible à tous.
Les activités culturelles proposées sont gratuites.

Œuvres de Francis Alÿs, Francis Cape, Plamen Dejanoff, Jeremy Deller & Alan Kane, documentation céline duval, David Evrard, Patricio Gil Flood, Jeanne Gillard & Nicolas Rivet, Elsa Maillot, Jean-Charles Massera, Jean-Luc Moulène, Jean-Marie Perdrix, Julien Prévieux, Superflex, Koki Tanaka, ainsi que des documents provenant du Musée de l’Histoire vivante, Montreuil et des Archives Nationales du Monde du Travail, Roubaix

Fermeture estivale du 2 au 22 août 2017

Commissaire de l’exposition : Antoine Marchand

Les trois FRAC du Grand Est se réunissent cet été autour d'une thématique commune d'exposition : le travail sous toutes ses formes ! À Reims, le FRAC Champagne-Ardenne ouvre le cycle Le travail à l’œuvre avec une exposition de groupe intitulée « L'alternative », ou comment travailler autrement. Suivi par le 49 Nord 6 Est - Frac Lorraine à Metz qui aborde, à travers son exposition collective « Ressources humaines », le travail dans sa dimension sociale, morale et invisible tout en guidant la réflexion jusqu'au cœur du milieu artistique. Le FRAC Alsace à Sélestat présente, quant à lui, une installation in situ de l'artiste Michael Beutler dans laquelle processus de création et technicité productive s'entremêlent.

Il apparaît aujourd’hui indispensable, au vu des mutations profondes qui se sont opérées ces dernières décennies, de questionner la notion même de travail, de s’interroger sur la place que cette activité a occupé et occupe dans notre quotidien. En effet, les différentes révolutions industrielles et numériques et les grands bouleversements économiques survenus récemment ont résolument modifié notre rapport au travail, et ont entraîné de profondes évolutions sociétales, remettant notamment en question les frontières et la hiérarchie entre le temps dévolu au travail et celui consacré au loisir.Ainsi, face à une idéologie dominante qui chercherait à imposer un modèle unique ne pouvant être remis en question, se sont déployées des initiatives – citoyennes, politiques, artistiques – qui tentent de faire émerger de nouveaux possibles, d’autres manières d’envisager le (non-) travail et l’organisation de nos sociétés.

L’exposition de groupe présentée au FRAC Champagne-Ardenne, intitulée L’alternative, s’intéresse à la manière dont se sont développés, au fil du temps, ces modes de production alternatifs, parallèles, en marge des courants dominants et en réaction à des structures et organisations du travail potentiellement aliénantes. Qu’ils s’inspirent de modèles éprouvés, témoignent de moments ou situations symboliques et potentiellement charnières, s’infiltrent dans les rouages de cette idéologie dominante qu’est le capitalisme ou en proposent des formes alternatives, les artistes réunis dans cette exposition tentent, chacun à leur manière, d’interroger notre rapport au travail et d’en reconsidérer les fondements, dans des contextes socio-économiques particulièrement sensibles.

S’ils ne sont pas dans la revendication frontale, ces artistes cherchent tous, par leurs productions, à repenser – plus que renverser – l’ordre établi. Certaines des propositions réunies au FRAC Champagne-Ardenne peuvent au premier abord sembler dérisoires, vaines, utopiques, voire irréalisables, mais toutes invitent à une réflexion nécessaire sur un modèle qui paraît aujourd’hui à bout de souffle, défaillant, et dont il convient de se détacher. Sans tendre à l’exhaustivité, cette exposition, via les différentes initiatives rassemblées ici – historiques ou plus contemporaines, personnelles ou collectives – se veut ainsi un laboratoire, un lieu d’échange et de réflexion qui permette d’ouvrir le dialogue sur de possibles nouveaux modèles d’organisation de nos sociétés, tenant également compte d’expériences passées. Une prise de recul salutaire pour tenter d’inventer le monde de demain, à l’aune de moments et réalisations emblématiques – des utopies de la fin du 19ème siècle aux tentatives plus récentes liées à la décroissance, notamment.

Outre les différentes œuvres des artistes invités, l’exposition réunira également des documents d’archive provenant du Musée de l’Histoire vivante de Montreuil et des Archives Nationales du Monde du Travail à Roubaix.

Remerciements : Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Lyon, Collection Institut d'art contemporain, Rhône-Alpes, FRAC Bretagne, Centre Pompidou, Musée National d'art moderne - Centre de création industrielle, Champagne Sanger / Avize Viti Campus, Avize

- Visites guidées pour tous : les dimanches à 16h00
- Visite pour les enseignants : mercredi 31 mai 2017 à 14h30
- Visite guidée en LSF : samedi 10 juin 2017 à 14h30
- Visites guidées pour les groupes : sur réservation au 03 26 05 78 32
- Ateliers de pratique artistique pour les enfants de 6 à 12 ans : les samedis de 10h00 à 12h00 (ateliers familles les 20 mai et 16 septembre 2017) sur réservation au 03 26 05 78 32
- Visite croisée avec l'exposition Mémoires de l'industrie en Champagne-Ardenne à la Bibliothèque Carnegie : samedi 3 juin 2017 à 14h30 (rendez-vous à la Bibliothèque Carnegie)
- Visite-apéro avec Cyril Bonnet-Ponson, vigneron à Chamery, en partenariat avec le bar à vin Les 3 P'tits Bouchons : Mardi 1er juin 2017 à 18h30, sur réservation au 03 26 05 78 32
- Nuit Européenne des Musées : samedi 20 mai 2017 de 20h00 à 23h00
- Journées Européennes du Patrimoine : samedi 16 et dimanche 17 septembre 2017 de 14h00 à 18h00

Entrée libre, accessible à tous

Vernissage le jeudi 26 janvier 2017 à partir de 18h00, en présence de l'artiste

Commissaire de l'exposition : Antoine Marchand

Caroline Achaintre expérimente dans son travail un large éventail de médiums, qu’il s’agisse de l’aquarelle, de la linogravure, de la céramique ou du textile. Ses dessins, tentures et sculptures, colorés et puissants, évoquent l'esprit subversif du carnaval européen et créent une atmosphère à la fois ludique et absurde. Comptant l'expressionnisme allemand, la sculpture moderniste et le primitivisme parmi ses influences, l'artiste fait également référence dans son travail à des sous-cultures plus contemporaines telles que la science-fiction, la scène heavy metal, les dessins animés et les films d'horreur.

Le dessin est à la base de la pratique artistique de Caroline Achaintre. Réalisées à l'aquarelle et à l'encre, ces œuvres sur papier oscillent entre abstraction et figuration, révélant des compositions qui prennent souvent la forme d'un visage ou d'une silhouette, série de portraits fantomatiques. Dans ses travaux récents, elle utilise le latex, la cire et la javel pour masquer les motifs et affadir les couleurs. Des linogravures monochromes font elles directement référence au primitif, par le biais de lignes plus expressives et de jeux d’ombres.

Les tentures murales richement colorées de Caroline Achaintre incarnent des personnages. Pour ce faire, l'artiste utilise un pistolet de tufting afin de tirer des fils de laine sur un canevas en toile, une technique qui rappelle la fabrication des tapis à poils longs typiques des années 1970. La longueur, la texture et la couleur du fil prennent le pas sur les qualités d'une peinture expressionniste et évoquent une domesticité étrange. L’artiste compare le processus de fabrication de ces œuvres textiles à de la « peinture avec de la laine ». Chaque œuvre possède une personnalité bien distincte, souvent évoquée dans le titre.

Prenant la forme de masques ou de casques en céramique, les sculptures – accrochées ou posées sur socle – de Caroline Achaintre sont quant à elles fabriquées à partir de terre-papier cuite et émaillée. Le processus de réalisation est très spontané, un geste rapide pour figer l'argile dans une expression ou une grimace du visage brut. Les surfaces brillantes et séduisantes, rappelant des matières telles que la peau de serpent ou de crocodile, évoquent l'exotisme et explorent l'animisme, l'altérité ou le carnavalesque.

L'exposition de Caroline Achaintre au FRAC Champagne-Ardenne rassemble une sélection de travaux de la dernière décennie, en même temps que de nouvelles œuvres, incluant notamment une pièce textile de grande échelle, des sculptures en céramique et des aquarelles.

L'exposition est accompagnée par la première monographie consacrée au travail de l'artiste, coéditée par le FRAC Champagne-Ardenne et BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead (avec des essais inédits d’Anne Dressen, curatrice à l’ARC/Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Zoë Gray, curatrice au Wiels Centre d'art contemporain, Bruxelles et un entretien entre l'artiste et Emma Dean, curatrice à BALTIC).

Née à Toulouse en 1969, Caroline Achaintre a étudié en Allemagne, à la Kunsthochschule de Halle (1996-1998), avant de partir au Royaume-Uni, au Chelsea College of Art and Design (1998-2000) et au Goldsmiths College (2001-03), tous deux situés à Londres, où elle vit et travaille désormais. Parmi ses expositions monographiques récentes, on peut citer : boo à c-o-m-p-o-s-i-t-e, Bruxelles (2016), BP Spotlight à la Tate Britain, Londres (2015), Present/Future Illy Art Prize au Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea Rivoli de Turin (2014) ou Camp Coo, University ofHertfordshire Galleries and Smith Row, Hertfordshire and Bury St. Edmunds (2013).
Son travail a également été présenté dans des expositions telles que le British Art Show 8, organisé par Hayward Touring (2015-2017), Vernacular Alchemists au centre d’art contemporain Passerelle, Brest (2014), Decorum au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2013) et Six possibilités pour une sculpture àLa Loge, Bruxelles (2013). En 2014, Caroline Achaintre était artiste en résidenceau Camden Arts Centre, Londres. Elle est représentée par la galerie Arcade, Londres.

Exposition organisée par BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead.

L'exposition de Caroline Achaintre a reçu le soutien de Fluxus, programme franco-britannique pour l'art contemporain.

Vernissage le jeudi 12 mai 2016 en présence de l'artiste

Cet été l'exposition sera fermée du 1er au 23 août 2016

Commissaire de l’exposition : Antoine Marchand

Nate Lowman témoigne dans son travail pictural et sculptural des travers de la société américaine. Il croise des sujets d’actualité et des références culturelles aux déchets de la culture pop, par le biais de collages, d’installations et de peintures résultant d’une technique tout à fait particulière – rappelant l’impression en xérographie. Il a ainsi constitué ces dernières années un impressionnant corpus d’images et d’objets de notre quotidien, provenant d’époques et d’univers très disparates, dans lequel il puise afin d’entremêler les références, sans hiérarchie aucune. Néanmoins, loin d’une simple réactivation des principes d’appropriation et de recyclage édictés par Marcel Duchamp et Andy Warhol en leur temps ou, plus récemment, Richard Prince, Nate Lowman cherche avant tout à raconter des histoires. Au sein de ses compositions hétéroclites, aucune image ne prend le pas sur une autre, ce sont les liens et les relations entre les images qui créent un potentiel storyboard. L’artiste ne cherche pas à élaborer une structure narrative unique, mais bien à entrecroiser des références iconographiques qui font écho, dans leur ensemble, à notre époque. Ni innocentes, ni réellement ambiguës, ses œuvres sont parfois imprégnées d’une tonalité violente mais surtout mélancolique et pessimiste, bien qu’elles soient également empreintes d’ironie et d’humour noir.

Pour son exposition World of Interiors au FRAC Champagne-Ardenne, la première dans une institution publique française, Nate Lowman présente un ensemble d’œuvres inédites, spécialement produites à cette occasion, qui dévoilent de nouvelles orientations dans sa pratique. En effet, les différentes peintures exposées ici ont toutes été pensées en réponse à l’architecture du bâtiment rénové du FRAC Champagne-Ardenne, tout en faisant écho à leur lieu de production, dans l’atelier de l’artiste à Tribeca. Avec l’ironie qui le caractérise, Nate Lowman a ainsi envisagé cette exposition dans un rapport entre intérieur et extérieur, création et recyclage, nature et culture également, d’une certaine manière…

Depuis sa première exposition monographique en 2005 à la galerie Maccarone de New York (THE END. And Other American Pastimes), Nate Lowman (né en 1979 à Las Vegas ; vit et travaille à New York) a exposé au Museum of Modern Art, au Solomon R. Guggenheim Museum et au Whitney Museum of American Art, tous trois basés à New York, ainsi qu’au Palais de Tokyo à Paris et au Palazzo Grassi à Venise. Il a par ailleurs bénéficié d’expositions personnelles à Midway Contemporary Art à Minneapolis (Axis of Praxis, 2006), au Astrup Fearnley Museum d’Oslo (The Natriot Act, 2009), à la Brant Foundation Art Study Center de Greenwich (I Wanted to Be an Artist but all I got was this Lousy Career, 2012) et à Dallas Contemporary (America Sneezes, 2015). Son travail a également été présenté lors de la 12^e Biennale de Lyon (Entretemps... Brusquement, et ensuite, 2013) et dans l’exposition Empire State (Palazzo delle Esposizioni, Rome, et Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, 2013). Nate Lowman est représenté par les galeries Massimo De Carlo, Milan/Londres/Hong Kong et Maccarone à New York.

L’exposition de Nate Lowman reçoit le soutien de la galerie Massimo De Carlo, Milan/Londres/Hong Kong.

Avec le soutien de Champagne Taittinger

Vernissage le jeudi 25 juin 2015 à partir de 18h00 en présence de l'artiste

Commissaire de l’exposition : Florence Derieux

À l’occasion de sa réouverture, le FRAC Champagne-Ardenne présente la toute première exposition personnelle en France de l’artiste américaine Lisa Oppenheim. Sa pratique artistique se situe dans la droite ligne de la photographie conceptuelle, des artistes de la « Pictures Generation » et du cinéma structuraliste américain. Elle s’intéresse tout particulièrement à l’histoire de la photographie et de ses pionniers, ainsi qu’à l’évolution de ses techniques au cours du temps. Ses œuvres impliquent souvent une relation entre le processus photographique original de la photographie trouvée et celui que l’artiste instaure dans son utilisation de cette dernière. Une sorte d’exhumation photographique permettant au passé et au présent de s’informer l’un et l’autre.

Les photographies et vidéos de Lisa Oppenheim sont créées à partir d’images et de documents existants qu’elle s’approprie, retravaille et transforme par le biais de différentes techniques historiques et contemporaines. Son processus de travail trouve bien souvent sa source dans Internet où elle recherche des images et des objets qu’elle réinterprète photographiquement en utilisant à la fois des technologies analogues et numériques. De par cette approche, le processus devenant lui-même le matériau de base, l’artiste offre aux images photographiques de nouvelles formes et de nouveaux contextes.

Ces dix dernières années, elle a ainsi produit un corpus d’œuvres qui explore l’usage de l’image – d’histoire, d’actualité, documentaire… – dans nos sociétés contemporaines, une démarche que l’on pourrait qualifier d’« archéologie du temps et de la culture visuelle ».
À l’occasion de son exposition à Reims, intitulée Langue héréditaire, Lisa Oppenheim présentera deux œuvres produites spécifiquement par le FRAC Champagne-Ardenne. La première, Hereditary Language, est un film qui s’origine dans une pièce sonore éponyme de Les Levine, dans laquelle des enfants témoignent de leurs angoisses quant à la vie et au futur. La seconde est une ambitieuse installation photographique qui fait écho à une série de peintures créées par Ann Craven pendant sa résidence à Reims, en 2008, et présentée la même année dans son exposition personnelle au FRAC. Un ensemble d’œuvres produites en collaboration avec la Kunstverein de Hamburg et la Kunstverein de Graz, ainsi que des œuvres plus anciennes, viennent compléter ces deux projets inédits.

Une première monographie consacrée à son travail, intitulée Works 2003–2013 et coéditée par le FRAC Champagne-Ardenne, la Kunstverein de Hamburg et la Kunstverein de Graz, est publiée par Sternberg Press.

Lisa Oppenheim (née en 1975 à New York, où elle vit et travaille) a récemment bénéficié d’expositions personnelles à la Kunstverein de Hamburg (Forever is Composed of Nows, 2014), à la Kunstverein de Graz (From Abigail to Jacob (Works 2004–2014), 2014) et à la Kunstverein de Göttingen (Everyone’s Camera, 2013). Son travail a par ailleurs été présenté dans de nombreuses expositions d’envergure, notamment The New Photography au Museum of Modern Art de New York et l’ICP Triennial 2013 à l’International Center of Photography de New York, en 2013. En 2015, elle participera à deux importantes expositions au Guggenheim Museum de New York et au J. Paul Getty Museum de Los Angeles. En octobre 2014, elle a été lauréate de deux prix photographiques internationaux importants, le Aimia | AGO Photography, Ontario, Canada, et le Shpilman International Prize for Excellence in Photography, Jérusalem, Israël.
Lisa Oppenheim est représentée par les galeries The Approach à Londres, Juliette Jongma à Amsterdam et Tanya Bonakdar à New York.

Avec le soutien de Champagne Pommery, de Champagne Taittinger et de la Maison Fossier

L’exposition présentée au FRAC Champagne-Ardenne met l’accent sur la genèse du projet pensé pour la ville de Veliko Tarnovo et présente ses développements les plus récents. Elle regroupe de nombreuses maquettes et prototypes, mais également des esquisses, dessins et autres collages qui illustrent l’immensité du travail préliminaire à la construction, ainsi que des installations, à la lisière entre art conceptuel et « Hyper-Pop Art ». Des dessins originaux de Le Corbusier, prêtés par la fondation du même nom, viennent compléter cet ensemble.

L’exposition de Plamen Dejanoff a reçu le soutien de la galerie Emanuel Layr, Vienne.

Exposition organisée en association avec le MAMbo, Musée d'Art Moderne de Bologne.

Avec le soutien de Veuve Clicquot Ponsardin, maison fondée en 1772

Les concepts philosophiques, politiques et psychanalytiques forment l'essence même des films d'Emily Wardill. Ils retracent ainsi une histoire de la pensée, par le biais de narrations multiples, agrémentées de nombreuses pistes sonores composées par l'artiste. Sa grammaire filmique est pour le moins mystérieuse, puisque les codes classiques de l'interprétation y sont obsolètes, et qu'il nous faut donc pénétrer dans ce qui semble être une représentation fascinante de l'inconscient. Plusieurs niveaux de narration s'entrecroisent, rappelant parfois les formes fassbinderiennes du mélodrame, et permettant d'associer un propos éminemment politique à des références visuelles plus populaires. Tout son travail semble donc être une vaste expérience scientifique qui catapulte le regardeur en suspension entre le postulat de départ et le résultat final, là où l'irrationnel devient un passage obligé pour parvenir à comprendre une situation donnée.

Pour sa première exposition dans une institution française, intitulée The Hands Of A Clock, Even When Out Of Order, Must Know And Let The Dumbest Little Watch Know Where They Stand, Otherwise Neither Is A Dial But Only A White Face With A Trick Mustache, Emily Wardill présente notamment son tout dernier film, Fulll Firearms (90', HD), commandité par If I Can't Dance, I Don't Want To Be Part Of Your Revolution (Amsterdam), Serpentine Gallery (Londres) et Film London's FLAMIN Productions, et co-produit par Arts Council England - Film London Artists' Moving Image Network et City Projects (Londres) avec le soutien du M HKA (Anvers), de la Badischer Kunstverein (Karlsruhe), du FRAC Champagne-Ardenne (Reims), de la Commission Européenne (Bruxelles) et de la Fondation Mondrian (Amsterdam).

Ce nouveau long-métrage prend la forme d'un mélodrame narrant l'histoire d'Imelda, une femme d'une quarantaine d'années qui vient d'hériter de la fortune de son père, un richissime fabricant d'armes. Avec son héritage, elle décide de construire une maison afin d'y loger les fantômes des personnes tuées par les armes produites par la firme de son père. Rapidement, des squatters investissent une partie de la propriété en cours de construction. La perception qu'Imelda a de ces squatters est biaisée ; si elle n'est pas hostile à leur présence, c'est qu'elle les voit simplement comme les fantômes qu'elle attendait. Le film est construit autour de la relation qui se développe entre Imelda et l'architecte engagé pour dessiner les plans de la maison. Ce dernier cède à tous ses caprices, conscient du fait qu'elle n'a plus toute sa tête. Fulll Firearms convoque subtilement des thèmes tels que la déception, le storytelling ou le déplacement. Des éléments liés au film complètent l'installation.

The Pips, (2011, 3'39'', 16mm), autre film présenté dans l'exposition, explore le mouvement et la matérialité. Filmé en 16mm en noir et blanc, puis transféré en numérique, il se concentre sur la figure de Francesca Jones, championne de gymnastique britannique. Le film débute avec une stricte description du quotidien de Jones. Les formes créées par son ruban, décrivant des mouvements dans l'air, sont le reflet de ses actions, l'imitant et existant grâce à elle. Peu avant la fin du film, le corps de la gymnaste s'étire, s'allonge et se distord jusqu'à se casser en un ensemble de parties mutantes. Son visage reste cependant impassible et elle ne semble pas se soucier de sa propre déchéance. Tandis que Francesca Jones s'immobilise, ses actions commencent à exister par elles-mêmes, leur matérialité étant déconstruite par l'emphase qu'Emily Wardill met sur la répétition physique du mouvement. Le corps et ses mouvements deviennent ainsi contenus dans l'objet, révélant une plasticité inhérente à la performance de la gymnaste.

Née en 1977 à Rugby (Royaume-Uni), Emily Wardill vit et travaille à Londres, où elle est Senior Lecturer au Central Saint Martins College of Art. Elle a réalisé ces dernières années d'importantes expositions monographiques, parmi lesquelles Windows broken, Break, Broke Together en 2010 à la fondation De Appel d'Amsterdam et Sick Serena and Dregs and Wreck and Wreck en 2007 à l'ICA de Londres. Son travail a par ailleurs été exposé à la Tate Britain et à la Whitechapel Art Gallery de Londres, au Witte de With de Rotterdam, à la Kunsthalle de Bâle et au Reykjavik Art Museum. Elle est représentée par Jonathan Viner Gallery (Londres), Standard (Oslo) et Altman Siegel Gallery (San Fransisco).

L'exposition d'Emily Wardill a reçu le soutien de Fluxus, fonds franco-britannique pour l'art contemporain, du British Council et de la galerie Standard, Oslo.

Vernissage le jeudi 12 mai à partir de 18h00

Commissaire de l'exposition : Florence Derieux  

Le FRAC Champagne-Ardenne présente simultanément deux expositions personnelles, l'une consacrée à l'artiste français Julien Carreyn (né en 1973 ; vit et travaille à Paris) et l'autre à l'artiste allemano-américain Nick Mauss (né en 1980 ; vit et travaille à New York).

À l’instar des œuvres mystérieuses du symboliste belge Fernand Khnopff – compositions peuplées de femmes hiératiques, inaccessibles et au regard trouble, ou paysages renvoyant au monde du rêve –, les images de Julien Carreyn évoquent un passé disparu, englouti dans le vague des souvenirs. L’artiste photographie des modèles qu’il fait poser dans des intérieurs saturés d’objets à haute valeur culturelle et symbolique. S’en suit un long travail d’atelier solitaire et minutieux pour faire naître, par le biais de techniques d’impression obsolètes, des dessins et des photographies qui sont ensuite assemblés en séries et disposés sous vitrine tels des vestiges culturels.

Nick Mauss utilise l’accumulation – d’idées, de souvenirs, d’influences – comme une technique, et développe une approche artistique à la fois mécanique, poétique, onirique et presque incantatoire. S’il considère ses œuvres sur papier et celles qu’il nomme des « dessins amplifiés » (ses sculptures, peintures, vidéos et installations) comme autant d’éléments d’un vocabulaire en développement, résolument ancrés dans le présent, celles-ci sont le plus souvent perçues comme issues d’un passé dont on ne sait s’il doit être éradiqué ou devenir source d’émulation. Il appréhende le lieu d’exposition, qui est traité comme un objet oscillant entre l’espace mental, émotionnel, sensuel, historique et artistique, comme une page blanche à partir de laquelle est construit un dessin.

Julien Carreyn et Nick Mauss partagent un même désir d'imaginaire et d'esthétisme. Particulièrement intéressés par des techniques de reproduction anciennes et/ou rudimentaires, tous deux ont choisi de privilégier le dessin en tant que processus créatif pour tenter de créer un nouveau langage. Boulimiques et érudits, c'est par la fusion de références multiples qu'ils produisent des œuvres à l'aspect faussement désuet, mêlant l'abstraction à la figuration, associant un certain réalisme fragmenté aux images subconscientes et aux rêves, et ayant la particularité de rester parfaitement ouvertes.

Julien Carreyn a notamment participé à des expositions à la Fondation d’Entreprise Ricard à Paris (Une Expédition, commissariat de Stéphane Calais, 2009), au Mac/Val de Vitry-sur-Seine (Collection du FRAC Ile-de-France, 2008) et au CNEAI de Chatou (Salons boudoirs et antichambres, 2002). Il a publié plusieurs livres d’artistes, dont Les Demoiselles de Vienne en collaboration avec Pierre la Police (Editions Cornélius, Paris, 2008). Julien Carreyn est représenté par la Galerie Crèvecœur à Paris.

Le travail de Nick Mauss a été présenté à la Künstlerhaus de Stuttgart, à la Kunsthalle Basel (Strange Comfort (Afforded by the Profession), 2010), au P.S.1 Contemporary Art Center de New York (expositions Greater New York et The Baghdad Batteries, 2010), à la Halle für Kunst de Lüneburg (Provence « O », 2010), à la Kunsthalle de Zurich (Non-Solo Show, Non-Group Show, 2009) et au MoMA - Museum of Modern Art de New York (Contemporary Drawings Collection, 2009). Il est représenté par Galerie Neu à Berlin et 303 Gallery à New York.

Avec le soutien de Champagne Taittinger

Latifa Echakhch nourrit son travail de ses expériences d’immigrée maghrébine vivant en France. Elle explore les codes et les normes inhérents à nos sociétés tout en faisant référence à un système d’appartenance et d’attribution culturelle à l’intérieur duquel elle évolue en tant qu’« autre » et en tant que femme. L’artiste s’intéresse tout particulièrement au concept d’Histoire et à ses processus d’élaboration. A travers ses œuvres, elle souligne le caractère quotidien, récurrent, des pratiques sociétales de détermination et questionne sans cesse les clichés, les généralisations et les préjugés qui en résultent. Latifa Echakhch utilise des images, des objets, des textes extraits de situations données qu’elle déplace et perturbe, et dont elle remet en cause le sens et l’apparence. Elle explore ainsi les liens entre réalité politique et socioculturelle. 

Vernissage le jeudi 26 novembre 2009 à partir de 18h00.

Visites publiques : dimanche 6 décembre 2009 à 16h00 et dimanche 3 janvier 2010 à 16h00
Visite pour les enseignants : mercredi 2 décembre 2009 à 14h30
Visite privée pour les Amis du Frac Champagne-Ardenne : lundi 30 novembre à 19h00
Visite « Nuit des Musées spéciale étudiants » : mercredi 2 décembre de 20h00 à minuit
Visite « Reims Scènes d'Europe » : jeudi 17 décembre 2009 à 19h00


Commissaire de l'exposition: Florence Derieux

Partant du constat que tout ce que nous appréhendons visuellement  dépend du point de vue que nous adoptons, Marine Hugonnier développe un travail qu'elle décrit elle-même comme une politique de la vision. L'artiste explore, à la frontière du documentaire et de la fiction, les différentes modalités du cinéma et traite de questions mises en jeu par la production des images, et plus précisément des images en mouvement. Les films qu'elle réalise sont le plus souvent présentés comme des installations qui évoluent en fonction du lieu d'exposition. Largement  diffusés dans les festivals de cinéma, ils dépassent aujourd'hui le cadre strict de l'art contemporain pour toucher le champ de l'anthropologie visuelle.

Marine Hugonnier a choisi de nommer son exposition au FRAC Champagne-Ardenne Part 3 car elle présente le troisième volet de la Trilogie des trois continents, débutée en 2003. Celle-ci n'avait encore jamais été exposée en France. L'exposition réunit un film, deux séries de photographies ainsi que des "livres" qui font plus particulièrement apparaître le goût de l'artiste pour l'exploration des liens entre histoire et géographie, et la façon dont un paysage détermine l'histoire d'un lieu et inversement.

Travelling Amazonia (2006) est le dernier opus de cette trilogie au travers de laquelle Marine Hugonnier explore les différentes modalités du cinéma. Tourné au cœur de la jungle amazonienne, ce film s'intéresse à la construction avortée de l'autoroute Transamazonienne, projet colossal développé dans les années 1970 au Brésil par la dictature militaire alors au pouvoir et qui avait pour but de connecter les côtes Atlantique et   Pacifique, soit un trajet de plus de 9000 kilomètres. L'objectif de l'artiste et de son équipe était de fabriquer un chariot et des rails en utilisant les mêmes matériaux que ceux qui servirent à construire l'autoroute   (caoutchouc, bois et métal) et de les installer sur la route pour effectuer un travelling. Ce plan rappelle la linéarité de la Transamazonienne et évoque à la fois les idéaux des pionniers et les desseins colonialistes liés à ce projet, questionnant ainsi les systèmes occidentaux de       représentation.

Pour l'installation Wednesday (Monte Pascoal, Brazil) et Thursday (Monte Pascoal, Brazil), composée de deux photographies réalisées en 2005, Marine Hugonnier s'est rendue à l'endroit exact où le navigateur portugais Pedro Alvares Cabral a débarqué le 22 avril 1500. Alors qu'il suivait la nouvelle route des Indes, un ouragan a déporté Cabral vers les côtes, lui permettant de distinguer dans l'obscurité Monte Pascoal, un mercredi soir, et donc de découvrir ainsi le Brésil. Il dut néanmoins attendre les premières heures du jour, le lendemain matin, pour pouvoir accoster.

Beach of the New World (Monte Pascoal National Park, Brazil) est une photographie datée de 2005 représentant la plage où Cabral et son équipage ont accosté le matin du jeudi 23 avril 1500. En nous présentant la vision de l'explorateur portugais, l'artiste fait référence à ces quelques heures dans l'histoire pendant lesquelles les idéaux, les croyances et l'imaginaire liés au Nouveau Monde ont pris corps dans la psyché occidentale.

Les Ouvrages géographiques accompagnent les films qui composent la Trilogie des trois continents : Ariana (2003), The Last Tour (2004) et  Travelling Amazonia (2006). Ils sont composés d'images réunies par  Marine Hugonnier avant, pendant et après la réalisation de ces projets. Leur forme en accordéon permet d'en éditer le contenu de mille manières différentes.

Marine Hugonnier est née en 1969 à Paris. Elle vit et travaille à Paris et à Londres. Elle a récemment réalisé des expositions personnelles à la Villa Romana de Florence, la Kunstverein de Brauschweig, la Konsthall de Malmö, le MAMCO de Genève, le Philadelphia Museum of Art, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo de Turin et la Kunsthalle de Berne. Parallèlement, elle a notamment participé à des expositions de groupe au MACBA de Barcelone et au Kunsthaus de Graz. En 2007, son travail a été présenté dans le cadre de la 52^e Biennale de Venise. La même année, elle a reçu le prestigieux London Film Award.

A l'occasion de cette exposition, une monographie de référence co-éditée par la Konsthall de Malmö, la Kunstverein de Braunschweig et le FRAC Champagne-Ardenne est publiée aux éditions JRPlRingier.

Avec le soutien de Veuve Clicquot Ponsardin, Maison fondée en 1772

Vernissage le jeudi 10 septembre 2009 à partir de 18h00.

Conférence de Boris Achour : jeudi 8 octobre à 18h00 au FRAC Champagne-Ardenne.

Visites publiques « Journées du Patrimoine » : samedi 19 et dimanche 20 septembre de 14h00 à 19h00
Visite pour les enseignants : mercredi 23 septembre à 14h30
Visite privée pour les Amis du Frac Champagne-Ardenne : jeudi 8 octobre à 19h30, en présence de l’artiste
Visites publiques « Collections d’automne » : samedi 17 et dimanche 18 octobre à 16h00
Visite pour les étudiants : jeudi 29 octobre à 18h30


Commissaire de l'exposition: Florence Derieux

Mêlant sans hiérarchie des éléments hétérogènes issus de champs culturels et formels très variés, l’œuvre de Boris Achour constitue un système combinatoire ouvert et en perpétuelle évolution basé sur l’affirmation de la forme, la jubilation que procure la création et la nécessité de la mise en relation. Depuis 2006, le concept de « conatus », à savoir, pour Spinoza, le désir comme force motrice et la volonté de l’homme de persévérer dans son être et d’augmenter sa puissance d’agir, est devenue le principe constitutif de son travail. Ses expositions sont autant d’épisodes d’une série dont les personnages sont des œuvres, qui sont elles-mêmes les éléments d’une constellation en constante expansion.

L’exposition de Boris Achour prend comme point de départ un court poème écrit par Johannes Scheffler, théologien et poète mystique allemand du 17e siècle plus connu sous le nom de Angelus Silesius : « La rose est sans pourquoi, fleurit parce qu’elle fleurit, n’a souci d’elle-même, ne désire être vue ». De ce quatrain, l’artiste tire une multitude d’interrogations (notamment quant à l’autonomie, la souveraineté et la puissance d’affirmation de l’œuvre, la nature de sa relation au specta-teur…) qui ont nourri la conception des œuvres présentées, mais qui peuvent également être prises comme autant de points d’entrée dans l’exposition. Investissant tous les espaces du FRAC, Boris Achour, fidèle à la pluralité qui le caractérise, présente dans Conatus : La rose est sans pourquoi un ensemble d’œuvres inédites aussi hétérogène que cohérent.

Né à Marseille en 1966, Boris Achour vit et travaille à Paris. Son travail a notamment été exposé dans le cadre de « La Force de l’Art » au Grand Palais à Paris en 2006 puis en 2009, « Le printemps de septembre » à Toulouse et la Biennale d’art contemporain de Rennes en 2008, ainsi que dans d’importantes institutions internationales telles que le S.M.A.K. à Gand, le Montehermoso Cultural Center de Vitoria et le Musée d’art contemporain de Bucarest. Boris Achour a obtenu le prix de la Fondation Ricard en 2002. Il est représenté par la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois à Paris.

Avec le soutien de Veuve Clicquot Ponsardin, Maison fondée en 1772

Vernissage le 14 mai 2009 à 18h00

Nocturne Nuit des musées : samedi 16 mai de 18h à 24h
Visites publiques : dimanche 17 mai à 16h ; jeudi 11 juin à 18h30 ; dimanche 28 juin à 16h
Visite privée pour les amis du frac champagne-ardenne : mercredi 20 mai à 19h
Visite pour les étudiants : jeudi 28 mai à 18h30
Visite pour les enseignants : mercredi 20 mai à 14h

Commissaire de l'exposition: Florence Derieux

L’œuvre photographique, filmique, graphique et picturale de Cyprien Gaillard prend sa source dans l’observation du paysage rural et urbain et l’exploration des rapports entre nature et architecture. Développant une forme très personnelle de Land art, l’artiste mène en effet, dans une démarche oscillant entre romantisme et vandalisme, une recherche sur les traces laissées par l’homme dans la nature. Son modus operandi et les œuvres qu’il réalise se caractérisent par la transgression de règles légales ou morales. Parallèlement, les références à la pensée de l’artiste américain Robert Smithson, disparu en 1973, et tout particulièrement à son approche de la notion d’entropie, sont nombreuses. Tout comme lui, Cyprien Gaillard a d’abord travaillé sur des sites suburbains avant de s’intéresser aux paysages de campagne classiques, voire idylliques.

Cyprien Gaillard parcourt les zones d’habitations ou industrielles périurbaines à la recherche de bâtiments modernes menacés de destruction ; l’un de ces projets est d’ailleurs de les réunir un jour en un même lieu afin de créer un parc de ruines. Depuis 2006, il réalise des séries de polaroids intitulées Geographical Analogies qui traitent de la question des paysages entropiques en illustrant des lieux marqués par le processus d’érosion et de décomposition. Epinglés tels des papillons sous une vitrine, les photographies sont minutieusement agencées par séries de neuf selon un principe de correspondance visuelle entre les éléments représentés et, ainsi, entre des champs culturels en apparence éloignés, tels que l’histoire de l'art, la géopolitique, la youth culture, etc. L’exposition monographique de Cyprien Gaillard au Frac Champagne-Ardenne permet de réunir l’ensemble des Geographical Analogies sous la forme d’une monumentale installation.

Parallèlement, sont exposées des œuvres inédites, spécialement conçues par l’artiste pour cette exposition. Cities of Gold and Mirrors (2009), notamment, est le tout dernier film réalisé par Cyprien Gaillard. Tourné en 16mm au Mexique, à Quintana Roo dans la province du Yucanan, est composé de cinq scènes situées à l’intérieur et à l’extérieur de la ville de Cancun, qui fut fondé en 1970. Apparaissent des vacanciers américains, un hôtel, des dauphins nageant dans la piscine de cet hôtel, un membre d’un gang de Los Angeles, les Bloods, dansant sur les ruines d’un site archéologique Maya appelé El Rey, la façade en miroir d’un immeuble en train d’être démoli et l’intérieur d’une immense boîte de nuit… La musique, intitulée « Le feu de Saint Elme » et composée par Haïm Saban et Shuki Levy, provient d’un célèbre dessin animé franco-japonais conçu en 1982, Les mystérieuses cités d’or. Le personnage principal de cette série, Esteban, qui à chaque épisode était sur le point de découvrir une nouvelle merveille, représente, selon l’artiste, le premier contact que les enfants français de sa génération ont eu avec les cultures précolombiennes. Le souvenir de ce dessin animé, réalisé dans un but éducatif mais débouchant constamment vers la science-fiction, a beaucoup marqué l’artiste. Le film constitue un portrait d’un moment historique particulier, le notre.

Sans titre (2009) est la première peinture murale jamais réalisée par Cyprien Gaillard. L’artiste s’est inspiré du relevé sommaire réalisé par Jacques Cellier en 1585 du tracé du labyrinthe de la cathédrale de Reims qui fut détruit en 1779. Ce motif graphique est devenu le logotype des Monuments nationaux. Aujourd’hui, le dessin du labyrinthe, sorte de relevé topographique, incarne ainsi l’idée même de patrimoine et de monument chères à l’artiste, qui semble également faire référence, avec humour, à l’histoire de la peinture géométrique.

Enfin, les Geographical Analogies font l’objet d’un important livre d’artiste coédité par le FRAC Champagne-Ardenne, la Kunsthalle Fridericianum de Cassel, la Hayward Gallery de Londres et le Musée d’art contemporain de Castilla y León à paraitre en 2009. Pour ce projet, Cyprien Gaillard a reçu l’Aide au premier catalogue du Centre national des arts plastiques (CNAP).

Né en 1980 à Paris, Cyprien Gaillard vit et travaille à Berlin. Il est diplômé de l’Ecole cantonale d’art de Lausanne (ECAL) en Suisse. Il a récemment exposé en solo à la Kunsthalle Fridericianum de Cassel, à Stroom à La Haye, au musée Santa Maria della Scala de Sienne et à la Hayward Gallery de Londres, et il a participé à la 5e biennale de Berlin, la 9e biennale de Lyon et la 1e biennale d’Athènes. Il a reçu le Prix Audi Talent Awards en 2007 et le Prix Les David en 2008. Il est représenté par Cosmic Galerie à Paris et Laura Bartlett Gallery à Londres.

Avec le soutien de Veuve Clicquot Ponsardin, Maison fondée en 1772

Remerciements : Nicolas Martin, Claudia Cargnel, Frédéric Bugada, Cosmic Galerie, Stéphane Kropf, Gilles Gavillet, Giovanni Giuliani, Luca Liberali, Pierpaolo Barzan, Rita Huys, Sabina Belli, Anne Cabin Saint-Marcel, Geneviève Jamin-Dejoie, Fabienne Moreau-Huttaux.

Dix ans après sa toute première exposition personnelle, présentée au FRAC Champagne-Ardenne en 1999, Laurent Montaron investit à nouveau ses espaces d’exposition pour y présenter un ambitieux projet monographique réunissant une série d’œuvres inédites, réalisées spécialement à cette occasion.

Le titre de l’exposition, AYYLU, fait référence au code morse, qui permet de transmettre un texte grâce à une série d’impulsions courtes et longues. Cet alphabet attribue à chaque lettre, chiffre et signe de ponctuation une combinaison unique de signaux, mécaniques ou visuels, plus ou moins brefs. Parallèlement au code morse, des codes commerciaux ont été inventés pour la télégraphie, tels AYYLU qui signifie « Not clearly coded, repeat more clearly » (pas assez clair, veuillez répéter plus clairement). Chacune des œuvres présentées dans cette exposition décline la problématique du langage et de sa transmission via différentes tech-nologies, qu’elles soient ancestrales ou au contraire contemporaines.

Balbvtio, film co-produit avec l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne*, est une œuvre inédite composée de deux films identiques projetés côte à côte. Elle constitue une narration cinématographique, mais également une mise à distance de la rhétorique même du cinéma. Générés par deux prises de vues différentes, ces films placent le contenu de l’histoire sur un autre plan que celui de la matérialité de l’image. L’histoire évoque de manière allégorique le message et le lien que tisse la parole avec l’Esperanto. Conçue à la fin du 19e siècle par le docteur Ludwik Lejzer Zamenhof, l’Esperanto est une langue dont la syntaxe est basée sur des langues déjà existantes, dans le but de faciliter la communication et la compréhension entre des individus de diverses nationalités.

L’intérêt de Laurent Montaron pour le cinéma apparaît ainsi en filigrane dans sa pratique. Depuis la série Sous un nouveau jour, qu’il avait pré-sentée au FRAC Champagne-Ardenne à l’automne 1999, cet intérêt s’est constamment développé au travers d’images, d’objets et de dispositifs, à l’instar du film 16mm Key, réalisé spécialement pour cette exposition.

Le travail de Laurent Montaron montre, tout en les interrogeant, les habitudes et les mécanismes qui régissent notre regard. Il souligne ainsi la manière dont les outils façonnent nos représentations et indexent de façon tangible la manière dont se construit la pensée. Dans cette perspective, le réel voisine l’imaginaire.

Le film Balbvtio, oeuvre coproduite par le FRAC Champagne-Ardenne et l'Institut d'art contemporain de Villeurbanne, y est également présenté du 28 janvier au 15 mars 2009. http://www.i-art-c.org

Commissaire de l'exposition: Florence Derieux

Commissaire de l'exposition: Florence Derieux

Oeuvres de Saâdane Afif, John Bock, Martin Boyce, Chris Burden, Tom Burr, Stéphane Calais, Claude Closky, Erik Dietman, Willie Doherty, Jimmie Durham, Eric Duyckaerts, Robert Filliou, Ceal Floyer, Michel François, Aurélien Froment, Jef Geys, Dan Graham, Rodney Graham, Raymond Hains, Richard Hamilton & Dieter Roth, Lothar Hempel, Pierre Huyghe, Matthew Day Jackson, Alain Jacquet, Pierre Joseph, Michel Journiac, Robert Malaval, Christian Marclay, Laurent Montaron, Matt Mullican, Philippe Ramette, Joe Scanlan, Ger Van Elk, Julia Wachtel, Jeff Wall, James Welling, Franz West.

L’exposition La fête est permanente, dont le titre fait directement référence à l’artiste Robert Filliou, figure historique majeure dont le FRAC Champagne-Ardenne possède un ensemble d’œuvres important, réunit un choix d’œuvres de la collection. Une invitation à prendre la mesure du travail accompli depuis la création du FRAC Champagne-Ardenne en 1984, l’exposition s’envisage également comme l’amorce du programme artistique à venir.

Du 27 juin au 21 septembre 2008, le FRAC Champagne-Ardenne présente la première exposition monographique en Europe de l’artiste américaine Ann Craven.

L’œuvre d’Ann Craven trouve sa place dans la réflexion de certains artistes américains d’aujourd’hui, tels Wade Guyton, Kelley Walker ou Josh Smith, qui exploitent les potentiels de la surface, et intègrent non seulement la saturation de l’image du monde contemporain, mais aussi les erreurs ou les accidents que la reproduction à l’infini génère immanquablement. Son œuvre est également emprunte d’une grande intériorité spirituelle, une façon d’harmoniser sa pensée, son corps, sa respiration, à une pratique picturale d’une rigueur presque obsessionnelle. Ainsi, bien que l’œuvre s’en distingue formellement, Ann Craven reconnaît l’influence d’artistes tels que Vija Celmins, Allan McCollum ou encore Agnes Martin dont l’exigence de précision dans la pratique artistique est inséparable du rythme physiologique de leur vie.

Ann Craven est peintre, fondamentalement. Elle peint la lune. Parfois aussi des oiseaux, des fleurs, des biches, ou des bandes de couleur diagonales. Elle peint 400 lunes, non pas comme un éphéméride, mais comme si la lumière pâle de ce visage éternel appelait des êtres chers, lointains ou disparus, dans une rêverie nocturne où le pinceau serait maître de cérémonie. Les œuvres portent silencieusement cette charge affective. Puis l’artiste recopie ces mêmes lunes, pour tordre le cou à la revendication persistante de la peinture qui veut toujours faire son originale. Elle peint des sujets désuets, car elle connaît la puissance symbolique des images qui nous accompagnent, même parmi les plus insignifiantes : les images sans contenu que nos grand-mères gardent sans raisons véritables, les bons-points que l’écolier punaise fièrement dans sa chambre… Ses séries d’oiseaux ou de fleurs déclinent sans fin le rapport essentiel de la peinture entre le fond et la forme, la vibration de couleurs éblouissantes comme autant de signes du temps. Lorsqu’une couleur est appliquée, Ann Craven trace une diagonale sur une autre toile, mélangeant son pinceau à sa palette, sa palette qui elle-même est une toile. Rien ne se perd, tout « fait peinture », et toute peinture est d’égale importance à ses yeux, qu’elle soit copie, originale, support de couleur, bandes abstraites, oiseau sur la branche.

L’exposition d’Ann Craven fait suite à sa résidence à la Chaudronnerie du Lycée Val de Murigny, dans le cadre du partenariat que le FRAC a mis en place avec cet établissement. Une publication consacrée à ce projet sera prochainement publiée aux éditions JRP|Ringier.